EXPRESSIV!
Der Akt in der Moderne & Zeitgenössischen Kunst

Nach einem ganzen Jahrhundert wird das bedeutende Gemälde Vom Berge steigende nackte Frau (Erna) von Ernst Ludwig Kirchner zum ersten Mal seit 1922 exklusiv auf der TEFAF 2024 zu sehen sein.

Das Kunstwerk wurde zuletzt 1922 im Kunstsalon Schames in Frankfurt anlässlich der großen Kirchner-Ausstellung "Schweizer Werke von E.L. Kirchner" gezeigt.

Erst 1975 entdeckte Roman Norbert Ketterer die hinter einem anderen Gemälde versteckte Leinwand. Er trennte die beiden Gemälde und ließ Vom Berge steigende nackte Frau (Erna)
auf einen neuen Keilrahmen spannen.

Auf dem Werk ist Erna Kirchner in einer Davoser Landschaft zu sehen, als Kirchner nach einem Besuch der Tänzerin Nina Hard 1921 in Davos zum ersten Mal wieder Badeszenen in der Natur malte. Dies ist ein wichtiger Moment in Kirchners Werk, der die Davoser Zeit mit den Motiven der frühen Brücke-Jahre verbindet.

Georg Tappert
– Tänzerin Betty

Georg Tappert hatte in seiner Lebensgefährtin und der Tänzerin Betty ein bevorzugtes Modell für sich gefunden. Der Berliner Maler und Graphiker gehörte im Frühjahr 1910 zu den Gründern der "Neuen Secession". Hermann Max Pechstein, dann auch Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner und Karl Schmidt-Rottluff zogen kurz darauf von Dresden nach Berlin, das vor und nach dem Ersten Weltkrieg zum Zentrum aller expressionistischen Künste wurde.

In den Jahren 1912-1913 war die üppige Tänzerin Betty sein bevorzugtes Modell, für Tappert ein überwältigendes Erlebnis, das er in allen Techniken - Zeichnung, Aquarell, Holzschnitt, Radierung, Lithographie und Fotografie - darstellte. Die Serie der rund zehn grossformatigen Gemälde erreichen eine Intensität der Darstellung des damals überbordenden Berliner Lebensgefühles, die nur vergleichbar ist mit der Serie der Strassenszenen - allerdings anderer Intention - von Ernst Ludwig Kirchner.

George Grosz
– Eva als Ehefrau und Model

Ebenfalls in einer Serie von Aktdarstellungen festgehalten hat George Grosz seine Ehefrau Eva. Diese Serie ist Teil einer intensiven und fruchtbaren Auseinandersetzung mit dem Thema während der Zeit, die der Künstler fern von Deutschland in Amerika verbracht hat, wohin er bereits Anfang 1933 übergesiedelt ist.

Aktzeichnen und –malen war Grosz seit seiner Ausbildungszeit bekannt: Der mehr oder weniger nackte Körper, oft nur mit Hut, Strümpfen oder Schuhen, taucht unter anderem gerne in den für den Künstler so bekannten früheren satirischen, sozial- und gesellschaftskritischen Arbeiten auf. Die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Berlin künstlerisch so beliebten Grossstadtmotive, wie Strassenszenen, Revue, Ballett, aber auch Rummelplätze und andere Vergnügungsstätten, dienten als Vorlagen für einige der frühen Meisterwerke des Künstlers.

Was bewog jedoch Grosz während seines Aufenthaltes in Amerika, sich in mehreren hundert Arbeiten auf Papier und Gemälden vorzugsweise mit dem Thema Akt auseinanderzusetzten?

Ausschlaggebend war mit Sicherheit die Tatsache, dass ihm ein geduldiges und inspirierendes Modell zur Verfügung stand: seine eigene Ehefrau Eva, der er 1918 zum ersten Mal begegnete und die er 1920 heiratete. Allein oder gemeinsam mit ihrer Schwester Lotte beflügelte sie die Phantasie des Künstlers und erscheint in unterschiedlichsten Posen im Innen- und Aussenraum, oft mit Requisiten oder in Kombination mit einem Selbstbildnis in Zeichnungen, Aquarellen, Mischtechniken und Gemälden. Bevorzugt hat Grosz stets üppige Formen, wobei er durchaus in der Darstellung diese wohl übertrieben und seinen künstlerischen Vorstellungen angepasst hat.

Auffallend ist die Fülle der in Amerika entstandenen farbigen Fassungen: Aktzeichnungen entstanden schon in Deutschland, aber seit der Übersiedlung nach Amerika findet sich eine ganze Reihe von mehreren Hundert Aquarellen und Mischtechniken, in denen besondere Aufmerksamkeit der Ausarbeitung der individuellen Merkmale gewidmet ist, sodass Eva als Modell eindeutig identifiziert werden kann.

Karl Hartung
– Amorphe Formen

Auch in der Abstraktion kam es zur Auseinandersetzung mit dem Akt. Karl Hartung wirkte in einem „Spannungsfeld“ zwischen der gegenstandslosen Form und der Wirklichkeitswiedergabe, in dem er die unterschiedlichen Möglichkeiten der Abstraktion erforschte.

So entstand bereits 1935 die erste abstrakte Plastik, dennoch sind bis zuletzt mehr oder weniger gegenständliche Darstellungen in seinem Werk zu finden. Darstellungen von reduzierten menschlichen Figuren und Tieren sowie amorpher Formen geben einen Einblick in die Arbeitsweise des Künstlers, der sich selbst und sein Werk immer wieder in Frage stellte und Motive des Öfteren wieder aufgriff, neu prüfte.

Georg Baselitz
– Tête-á-tête

Bis in die heutige Zeit bildet der «Akt» ein reizbares Thema für Künstlerinnen und Künstler. So präsentiert Georg Baselitz in «La nuit mit Marie» in typischer Manier «auf dem Kopf» eine entblösste Frau und einen Mann mit heruntergelassener Hose. Die Technik des schwarz-weissen Linolschnitts untermauert das nächtliche tête-á-tête des Paares, das von einer Kerze, die auf dem Rock der Frau platziert ist, beleuchtet wird.

Markus Lüpertz
– Mensch & Natur

"Et in Arcadia ego" - unter diesem Sehnsuchtsmotto haben Künstler seit Jahrhunderten Idyllen der Harmonie zwischen Mensch und Natur geschaffen. Auch Markus Lüpertz ist seit Jahrzehnten auf der Suche nach Arkadien - jenem utopischen Ort der Vollkommenheit, der Freiheit und der Unsterblichkeit, die Landschaft, die Markus Lüpertz für seinen bedeutenden gleichnamigen Zyklus wählte und in der er eine ganze Reihe von Figuren aus der antiken Mythologie versammelte, um Zeugnis von der conditio humana abzulegen.

Jürgen Brodwolf
– Tubenfiguren

Die Tubenfiguren, die durch den Anblick einer ausgedrückten und eigentümlich verformten, figürlich anmutenden Farbtube im Malatelier ausgelöst wurden, sind bis heute noch Teil seiner Kunstwerke. Das Fundstück kann als Weiterentwicklung des Ready-mades angesehen werden. Die Verwendung der Tubenfigur hat er im Laufe der Jahre stets weiter entwickelt. So entstanden 1965 die ersten Figurenkästen, das sind kastenartige Werke, die verschiedene Tubenfiguren beinhalten. Figuren im grösseren Format schafft der Künstler ab dem Jahr 1972, indem er die Figuren aus Blei formt und somit nicht mehr an die vorgegebene Tubengrösse gebunden ist.

Die «Tubenfiguren» werden seither immer wieder verwendet und weiterentwickelt, meist entstehen weibliche Körper, die in den Raum dringen. Die Figuren werden in Menschengrösse aus Blei geformt wie das Werk „Bleifigur“.

Giovanni Manfredini
– Ganzkörper-Abdrücke

Charakteristisch für die figürlichen Darstellungen sind Negativ-Abdrucke von einzelnen Körperteilen oder des gesamten Körpers, die seit 1995 das Werk des Künstlers beleben. Die Auseinandersetzung mit dem Feuer und mit dem eigenen Körper steht in engem Zusammenhang mit starken Verbrennungen, die sich Manfredini in seiner Kindheit zugezogen hat.

Keine traditionellen Malwerkzeuge wie Pinsel und Farbe, Kreide, Kohle oder Bleistift, sondern Brust, Arme, Beine und Gesicht wurden an die von Russ bedeckten Oberflächen gepresst, an diesen abgerollt, um so an Fotografie, beziehungsweise Röntgenaufnahmen erinnernde Bilder des eigenen Körpers in der Gesamtansicht oder in fragmentarischer Form zu verewigen. Die schwarze Russschicht wird durch Ganzkörper-Abdrücke oder Teile davon wieder von den dunklen Partikeln befreit. Unter der Dunkelheit kommt wieder das helle Licht zum Vorschein. Manfredini presst Gesicht, Torso, Arme, Hände und Beine auf die geschwärzte Fläche und erzeugt einen „Negativ-Abdruck“, der für sein Werk so typisch geworden ist.

Nach einer weiteren Überarbeitung, meist mit Fingern, aber auch mit echten Pinseln, werden die Werke stark gefirnisst, was deren Erhaltung und Konservierung gewährleistet.